Die Begründung für die Verleihung der Presidential Medal of Freedom durch Präsident Jimmy Carter im Jahr 1980 trifft es wohl am besten: Der Fotograf Ansel Adams, der mit der Kraft der amerikanischen Landschaft eins ist und für die geduldige Kunstfertigkeit und zeitlose Schönheit seiner Arbeit bekannt ist, war ein Visionär in seinen Bemühungen, die wilden und landschaftlichen Gebiete dieses Landes zu erhalten, sowohl auf Film als auch auf der Erde. Von der Schönheit der Natur angezogen, gilt er unter Umweltschützern selbst als Denkmal und unter Fotografen als nationale Institution. Seinem Weitblick und seiner Tapferkeit ist es zu verdanken, dass so viel von Amerika für künftige Amerikaner gerettet wurde.
Als Amerikas Fotografenpreisträger hat Ansel Adams einen schwer zu messenden Beitrag zu einer relativ jungen Kunstform geleistet. Seit er 1916 seinen ersten Schnappschuss im Yosemite-Nationalpark mit einer Kodak Brownie Box-Kamera machte, hat er mit dem sich rasch verändernden Medium gearbeitet und seine Fähigkeit entwickelt, mit Licht, Film und kreativer Vision atemberaubende Bilder zu schaffen.
Als er anfing, war die Fotografie vor allem ein Hobby: Auf einer Kletterexpedition machte er Fotos von seinen Begleitern und dem Ort, an dem sie ihr Nachtlager aufschlugen. Doch bald erkannte er, dass Fotos mehr sein können: Sie konnten seine Emotionen einfangen, eine größere Vision, anstatt einfach nur eine Szene festzuhalten. Als er das Handwerk erlernte, das für diese kreative Fotografie erforderlich ist, wurde aus seinem Hobby eine Kunst. Seitdem gehören viele seiner Bilder, insbesondere die der Sierra Nevada in Kalifornien und des Südwestens der USA, zu den bekanntesten der Fotografie. Mehr als 1.000.000 Exemplare seiner Bücher, darunter Portfolios und eine technische Serie, wurden verkauft, und mehr als 5000 Studenten haben seine Workshops besucht. Darüber hinaus ist sein revolutionäres Zonensystem der Belichtungsberechnung heute praktisch eine Voraussetzung für jedes ernsthafte Studium der Fotografie.
Aber der Beweis liegt natürlich in den Abzügen, und Adams' Bilder sind bemerkenswert wegen der Vielfalt der Emotionen, die sie einem breiten Publikum vermitteln können: Seine "Aspens, Northern New Mexico" evozieren Gelassenheit; "Clearing Winter Storm, Yosemite Valley" suggeriert Wiedergeburt; "Frozen Lake and Cliffs, Sequoia National Park" suggeriert eine Art Mystizismus; "Monolith, the Face of Half Dome" offenbart, jenseits der Kraft der Granitmasse, sowohl Leidenschaft als auch ein Gefühl von Zielstrebigkeit; und sein berühmtestes Foto, " Moonrise, Hernandez, New Mexico ", ist fast ein halbes Jahrhundert nach seiner Aufnahme immer noch bedrohlich und abschreckend.
Adams' häufige Reisen, um die Berge und die Küstenlinie, Felsen in einem Bach oder das Sonnenlicht auf einem Eichenstumpf zu fotografieren, waren Teil seiner leidenschaftlichen Liebe zur Natur. Doch im Laufe der Jahre sah er die Wildnis bedroht und die natürlichen Ressourcen erschöpft, so dass er die Bewegung zum Schutz von Land, Luft und Wasser in Amerika zunehmend unterstützte - und dann lautstark aktiv wurde.
Er gehörte 37 Jahre lang dem Vorstand des Sierra Club an. "Es ist schwer zu sagen, wer den anderen mehr geprägt hat, Ansel Adams oder der Sierra Club", sagte David Brower, der erste Geschäftsführer des Clubs, einmal. Obwohl Adams Anfang der siebziger Jahre aus dem Club austrat, hat er sich immer stärker für die Umwelt engagiert.
Die derzeitige Regierung in Washington hat seinen großen Zorn erregt; in der Politik von Präsident Reagan sieht er "die größte Bedrohung für unsere Umwelt, die es je gab". Er schreibt Protestbriefe mit seinem Textverarbeitungsprogramm, telefoniert mit Politikern und stachelt andere zur Mitarbeit in der Umweltbewegung an. Seine Angriffe auf Reagans Innenminister James Watt haben so viel Aufmerksamkeit erregt, dass Watt zu den "donnernden Anklagen gegen seine Politik durch Ansel Adams" befragt wurde. Watt antwortete achselzuckend: "Ansel Adams hat in seinem Leben noch nie ein Bild mit einem Menschen darauf gemacht." Adams' Freund, der Fotograf James Alinder, antwortete: "James Watt ist kein besserer Historiker der Fotografie als Innenminister. Ansel Adams hat nicht nur Bilder von Menschen gemacht, sondern seine Porträts bilden einen großen Teil seiner fotografischen Produktion." In der Tat brach die Carter-Administration mit der Tradition, indem sie das Porträt des Präsidenten nicht von einem Maler, sondern von einem Fotografen anfertigen ließ - von Adams. Obwohl dieser Bruch mit der Tradition stark kritisiert wurde, hängt das Polaroidfoto heute in der National Portrait Gallery in Washington.
Der 1902 in San Francisco geborene Adams lebt mit einer Erinnerung an seine erste Begegnung mit der Macht der Natur: eine krumme Nase, die er sich bis heute weigert, zu korrigieren. Sie ist das Ergebnis des großen Erdbebens von 1906, bei dem der vierjährige Ansel gegen eine Ziegelmauer geschleudert wurde. "Der Arzt sagte mir, ich solle warten, bis ich erwachsen sei, um sie richten zu lassen. Da ich nie erwachsen wurde, ist die Nase geblieben", lacht er. Diese und sein inzwischen weißer Bart sind zu seinem Markenzeichen geworden. Über den Bart sagt er: "Das letzte Mal, dass ich glatt rasiert war, war 1930 oder so. Ich kam von einer einmonatigen Reise aus dem Hochland von Yosemite zurück, und es wuchsen grässliche Dinge darin, also beschloss ich, ihn abzuschneiden. Aber als meine Freunde mich sahen, sagten sie: 'Bitte lass ihn wieder wachsen.' Also tat ich es."
In seiner Jugend interessierte sich Adams vor allem für Musik, und als er beschloss, mit der Fotografie zu experimentieren, war er bereits ein versierter Pianist. Heute erklingt zwar oft Beethoven auf seiner aufwendigen Stereoanlage, aber Adams kann sich nicht mehr an seinen Babyflügel setzen; die Arthritis hat das Spielen zu schmerzhaft gemacht.
Als er beschloss, sich ernsthaft mit der Fotografie zu beschäftigen, stellte er bald fest, dass es unmöglich war, seinen Lebensunterhalt mit der kreativen Arbeit zu verdienen, die ihm am meisten Spaß machte. Jahrelang unterstützte er seine Frau und seine beiden Kinder, indem er alles fotografierte, von Porzellan über Backwaren bis hin zu Frauenkorsetts. "Von der Brot-und-Butter-Fotografie habe ich mehr gelernt als von jeder anderen Quelle", sagt er. Die finanzielle Situation hat sich natürlich geändert. Als ein Abzug seines Bildes Moonrise, Hernandez, New Mexico für 71.500 Dollar verkauft wurde - der höchste Preis, der je für ein Foto gezahlt wurde -, schimpfte Adams: "Wissen die nicht, dass ich noch nicht tot bin?"
Mit seinen 81 Jahren ist er immer noch voller Tatendrang; wir dachten, es sei an der Zeit, eine Bilanz seines Lebens und seiner Beiträge zu ziehen. Victoria und David Sheff, deren letzter Interview-Auftrag für den Playboy Billy Joel im Mai 1982 war (David interviewte auch John Lennon und Yoko Ono im Januar 1981), wurden für diesen Auftrag ausgewählt. Ihr Bericht:
"Als wir lasen, dass Adams an einer Art Herzversagen litt und ihm ein Herzschrittmacher eingesetzt worden war, waren wir besorgt, dass er den Strapazen eines langen Interviews nicht gewachsen sein könnte. Wir riefen ihn in seinem Haus in Carmel, Kalifornien, an und erkundigten uns fürsorglich nach seinem Gesundheitszustand. Ungeduldig unterbrach er uns: "Wann wollen Sie denn mit dem Interview beginnen?
"Es war nur zwei Wochen nach der Operation des Herzschrittmachers, und er hatte bereits einen beachtlichen Zeitplan. Er verbrachte seine Vormittage in der Dunkelkammer, um Abzüge für zwei in Arbeit befindliche Bücher vorzubereiten: seine Autobiografie und ein technisches Buch über Abzüge. Nach der Arbeit in der Dunkelkammer setzte er sich an seine Textverarbeitung und schrieb bis zum Mittagessen. Eigentlich sollte er sich nach dem Mittagessen ausruhen, aber trotz der Proteste von Virginia, seiner Frau, mit der er seit 55 Jahren verheiratet war, schlich er sich immer wieder an die Textverarbeitung. Danach war es Zeit für die Vorstellungsgespräche, die sich irgendwie immer bis zur Cocktailstunde am Abend hinzogen.
"Die Cocktail-Stunde ist eine Tradition im Hause Adams. Es handelt sich dabei um ein informelles, salonartiges Treffen, das, wie Adams erklärt, schon so lange besteht, wie er sich erinnern kann. In den Anfängen des Hauses kamen Gäste wie Georgia O'Keeffe und Diego Rivera sowie Freunde wie Edward Weston, Imogen Cunningham, Paul Strand, John Marin, Dorothea Lange, Maynard Dixon, Robinson Jeffers und Mary Austin zu Ansel und Virginia zum Gespräch. In jüngerer Zeit waren unter anderem Gerald Ford, Alan Cranston, Garry Trudeau, Jane Pauley, Alistair Cooke und Arthur Ashe zu Gast.
"Einige der besten Momente des Playboy-Interviews fanden bei Virginias trockenen Martinis und Hors d'oeuvres statt. Aber jeden Abend, wenn das Wetter es zuließ, wurde die Unterhaltung für einen Moment unterbrochen, wenn die Sonne in den Pazifik eintauchte. Wir versammelten uns alle um das große, nach Westen ausgerichtete Panoramafenster, um den schwer fassbaren "grünen Blitz" zu sehen, ein Schauspiel, das nur ein geschultes Auge erkennen kann. Als er kam, grinste Adams breit und drehte sich zu uns um. Und?", fragte er. Aber wir schüttelten den Kopf; wir hatten es wieder einmal verpasst.
Und noch etwas: Wenn es sich so anhört, als sei Adams so sehr in seine Kunst und seine Umgebung vertieft, dass er keine Zeit für ein bisschen Spaß und Spiel hat, dann müssen wir darauf hinweisen, dass sein alter Cadillac mit den Nummernschildern "Zone v" mit einer Hupe ausgestattet ist, die "La Marseillaise" und Dutzende anderer Stücke schmettert. Es ist schon ein Erlebnis, Adams fast unsichtbar hinter dem Steuer seines riesigen Wagens zu sehen, während er fröhlich die französische Nationalhymne schmettert, wenn er in seine Einfahrt fährt.
"Andererseits haben seine Augen ein gefährliches Glitzern, als wir ihn über Innenminister Watt befragen. Als die Diskussion von der Fotografie auf die Umwelt überging, warnte er: 'Jetzt werden die Funken fliegen'. Und in der Tat, das taten sie. Wir begannen das Interview jedoch mit einer Diskussion über seine Kunst und waren nicht überrascht, dass auch hier einige Funken flogen."
In mehr als 93 Prozent der amerikanischen Haushalte gibt es Kameras, und die meisten von uns denken wahrscheinlich, dass sie ein gutes Foto machen können. Was ist der Unterschied zwischen dem, was wir tun, und dem, was Sie tun?
Die Menschen hatten schon immer den Drang, ein Tagebuch zu führen. Früher haben wir Erinnerungen und Briefe geschrieben. Jetzt machen wir Fotos. Vom Erntedankfest mit Großmutter, vom Urlaub in den Bergen, von den ersten Schritten des Babys. Die Bilder sind ein visuelles Tagebuch. Sie sind eine Erinnerung an das Erlebte. So benutzen die meisten Menschen ihre Kameras. Aber wenn man versucht, eine Aussage zu treffen, die über das Motiv hinausgeht, ist das eine andere Domäne.
Und das macht den Unterschied zwischen einem Schnappschuss und Kunst aus?
Ja, das ist richtig. Ich verurteile einen Schnappschuss nicht als das, was er ist. Ich bin jedoch dagegen, dass man einen Schnappschuss macht und ihm dann einen ästhetischen Wert beimisst. Das ist nicht unmoralisch oder unethisch, es ist nur ziemlich unvernünftig. Das Gleiche gilt für viele Fotografien aus den 1860er, 1870er und 1880er Jahren, die man unbedingt als Kunst bezeichnen möchte. Diese Fotografien sind meist nur Aufzeichnungen von Ereignissen und Landschaften - die natürlich an sich wichtig sind. Das macht sie jedoch nicht zur Kunst und impliziert keine ästhetischen Absichten. Es gibt ein paar Beispiele für ihre Arbeiten, die eine andere Art von Vision in sich tragen - oder man glaubt, sie zu sehen. Das ist ein Unterschied zwischen dem Einfangen eines inspirierten Moments auf Film und den oberflächlichen Qualitäten einer bloßen Kulisse.
Wie definieren Sie Kulisse?
Kulisse bedeutet einfach die Konzentration auf das Motiv, wie es ist, ohne schöpferische Phantasie oder Visualisierung des endgültigen Bildes. Wenn jemand in einen Nationalpark geht und sich an einen "Bildplatz" stellt, seine Kamera ausrichtet und auf den Auslöser drückt, dann fotografiert er eine Landschaft. Das ist ein ziemlich feiner Unterschied, der schwer zu beschreiben ist. Man kann darüber reden, so wie man über Musik reden kann - technisch, wissenschaftlich, historisch, als Klatsch und Tratsch -, aber nur die Musik kann einem wirklich sagen, was die Musik ist.
Ich werde es so erklären: Sowohl William Henry Jackson als auch Edward Weston haben den amerikanischen Westen ausgiebig fotografiert. Aber meiner Meinung nach sind nur Westons Fotografien als Kunst zu bezeichnen. Jackson hat, so sehr er sich auch dem Thema gewidmet hat, die Szene aufgenommen. Weston hingegen schuf tatsächlich etwas Neues. Bei ihm ist das Motiv im Vergleich zur Gesamtfotografie von untergeordneter Bedeutung. Auch wenn die Landschaften, die ich im Yosemite fotografiert habe, von den meisten Menschen erkannt werden und das Motiv natürlich ein wichtiger Teil der Bilder ist, sind sie nicht "realistisch". Vielmehr sind sie ein Abdruck meiner Visualisierung. Alle meine Bilder sind optisch sehr genau - ich verwende ziemlich gute Objektive -, aber sie sind von den Werten her ziemlich unrealistisch. Ein realistischerer einfacher Schnappschuss fängt das Bild ein, lässt aber alles andere außer Acht. Ich möchte, dass ein Bild nicht nur die Formen wiedergibt, sondern auch das, was ich im Moment der Aufnahme gesehen und gefühlt habe.
Geben Sie uns ein Beispiel.
Mein Bild Moonrise, Hernandez, New Mexico hat die Emotionen und das Gefühl, das die Erfahrung, den Mondaufgang zu sehen, in mir auslöste, aber es ist überhaupt nicht realistisch. Ein einfacher Klick mit der Kamera und ein einfacher Abzug vom Negativ hätte ein ganz anderes - und gewöhnliches - Foto ergeben. Die Leute haben mich gefragt, warum der Himmel so dunkel ist, und dachten dabei genau an das Wörtliche. Aber der dunkle Himmel ist, wie er sich angefühlt hat.
Als der Fotograf Alfred Stieglitz von einem Skeptiker etwas spöttisch gefragt wurde: "Wie machen Sie ein kreatives Foto?", antwortete er: "Ich gehe mit meiner Kamera in die Welt hinaus und stoße auf etwas, das mich emotional, geistig oder ästhetisch erregt. Ich sehe das Bild vor meinem geistigen Auge. Ich mache das Foto und drucke es als Äquivalent zu dem, was ich gesehen und gefühlt habe." Das beschreibt es gut. Was er das Sehen vor dem geistigen Auge nennt, nenne ich Visualisierung. Vor meinem geistigen Auge stelle ich mir vor, wie eine bestimmte Offenbarung des Sehens und Fühlens auf einem Abzug erscheinen wird. Wenn ich Sie anschaue, kann ich Sie weiterhin als Person sehen, aber ich habe auch die Angewohnheit, von dieser bewussten dimensionalen Präsenz zu einer Fotografie überzugehen und Sie in Ihrer Umgebung mit einem Bild in meinem Kopf zu verbinden. Wenn das, was ich in meinem Kopf sehe, mich erregt, besteht eine gute Chance, dass es ein gutes Foto wird. Das ist ein intuitiver Sinn und auch eine Fähigkeit, die man durch viel Übung erlangt. Manche Leute schaffen das nie.
War Fotografie für Sie immer mehr als nur Fotografieren?
Als ich als Kind anfing - ich war 14 Jahre alt - hatte ich eine Brownie-Kamera und habe einfach nur Fotos gemacht. Bei meinen ersten Ausflügen in die Berge machte ich Schnappschüsse, die ich im Winter durchblätterte, um auf den nächsten Sommer zu warten. Mit der Zeit sah ich die Dinge jedoch besser und intensiver. Auf meinen ersten Fotos aus den Jahren 1919 und 1920 oder so fotografierte ich den Boden in der Nähe meines Schlafsacks, meine Begleiter und die Berge, die ich bestiegen hatte; das war alles. Zwei Jahre später begann ich offensichtlich, eine größere Beziehung zwischen dem Motiv und der Umgebung zu erkennen. Auf diesen Bildern sind der Schlafsack, der Fels und die Menschen zu sehen, aber auch das Gefühl für den Raum. Einige Jahre später begann ich zu erkennen, dass vielleicht der Felsen, der Baum und die Baumschatten - jedes Objekt - bestimmte Beziehungen und Werte hatten. Ich benutzte keine Worte, um es zu beschreiben; es war mehr ein Gefühl. Schließlich, nachdem ich mich wirklich intensiv mit der Fotografie beschäftigt hatte, wurde ich sehr sensibel für relative Formen. Ich hatte vielleicht denselben Ort, denselben Felsen, den Baum mit seinen abgestorbenen Ästen und einen Schatten desselben Astes auf dem Boden. Dieses Mal begann sich das Ganze zu bewegen. Ich machte tatsächlich Bilder mit einer bestimmten Vision in ihnen. Die äußere Welt besteht nur aus Formen, aber wir sehen Form, Gewicht, Gleichgewicht und Werte. Wir sehen und fühlen auch esoterische und nicht greifbare Dinge. Ich möchte Fotos machen, die all das in sich tragen. Das zu wissen und es zu erreichen, sind jedoch zwei ganz unterschiedliche Dinge.
Wann wussten Sie, dass Sie es schaffen können?
Meine erste Visualisierung hatte ich 1927, als ich den Half Dome im Yosemite fotografierte. Das war eine bemerkenswerte Erfahrung. Nach einem langen Tag mit meiner Kamera hatte ich nur noch zwei Fotoplatten übrig. Ich ertappte mich dabei, wie ich auf den Half Dome starrte, dem Monolithen gegenüberstand und Dinge sah und fühlte, die einem nur das Foto selbst vermitteln kann. Ich machte die erste Aufnahme, und irgendwie wusste ich, dass sie unzureichend war. Sie fing nicht ein, was ich fühlte. Sie konnte die enorme Erfahrung nicht wiedergeben. Dann sah ich, um es mit Stieglitz' Worten zu sagen, vor meinem geistigen Auge, wie das Bild aussehen sollte, und mir wurde klar, wie ich es bekommen musste. Ich setzte einen Rotfilter auf und stellte die richtige Belichtung ein, und es gelang mir! Als ich die Abzüge machte, zeigte sich, dass mein Konzept richtig war. Die erste Belichtung war ganz gut gelungen. Es war ein gutes Foto, aber es hatte in keiner Weise den Geist und die Aufregung, die ich empfunden hatte. Die zweite Aufnahme war Monolith, das Gesicht des Half Dome, das für sich selbst spricht.
Als Sie immer besser sehen, komponieren und bessere Bilder machen konnten, begannen Sie sich auch für die Fotografie als Kunstform zu interessieren?
Ja, aber erst als ich 1930 die Arbeiten von Paul Strand sah, wusste ich, dass die Fotografie mehr als ein Hobby für mich sein würde. Die Reproduktionen waren damals ziemlich schrecklich. Schlimmer noch, die populäre Fotografie war damals das schreckliche "malerische" Zeug, das ich zutiefst verabscheute. Bis ich Strands Fotografien sah, interessierte ich mich vor allem für Musik. Seine haben mich überzeugt. Ich habe diese Werke gefühlt. Wie Stieglitz einmal sagte: "Kunst ist die Bejahung des Lebens". Die Fotografien von Strand waren lebensbejahend und inspirierend.
Abgesehen von Strand, wer waren Ihre frühen Einflüsse?
Das ist schwer zu sagen, weil man nicht weiß oder sich nicht daran erinnert, was das Unterbewusstsein aufnimmt. Die allgegenwärtige piktorale Fotografie war ein negativer Einfluss. Ich wusste, was ich nicht machen wollte. Die Einflüsse auf meine Maßstäbe kamen eher aus der Musik und der Literatur als aus der Fotografie. Wie Ouspensky sagte: "Alle Kunst ist ein Ausdruck derselben Sache". Ich hatte also gewisse Standards, Standards des Geschmacks.... Wenn ich einen lausigen Lampenschirm sehe, ekelt mich das an. Wenn ich beschreiben muss, warum er lausig ist, ist das eine andere Sache. Nach meiner eigenen Erfahrung ist er einfach miserabel.
Glauben Sie nicht, dass es Standards gibt, die für alle Fotografien gelten können?
Ich glaube schon, aber es ist sehr schwierig. Ein Fotograf, den ich kenne, ist geradezu diabolisch darauf bedacht, schlechte Bilder zu machen. Die Abzüge sind furchtbar und die Kompositionen sind schrecklich - die Horizonte sind nicht gerade und alles ist sehr zufällig und willkürlich. Seine Motive haben jedoch ein sehr ausgeprägtes menschliches Interesse - Straßenszenen, Familien, Bars. Wenn sie einfach nur als Ausschnitte menschlicher Erfahrungen präsentiert würden, wäre das in Ordnung. Aber wenn sie montiert und hinter Glas an die Wand gehängt werden, scheinen sie sofort mehr zu sein, als sie sind. Der Fotograf wird "in", die Kritiker applaudieren, die Preise schießen in die Höhe und Bücher werden gebunden. Für mich hat der Kaiser immer noch keine Kleider. Und ich ärgere mich besonders über den absichtlichen Mangel an Handwerk. Der Maler Arp wird oft fälschlicherweise mit den Worten zitiert: "Wenn ich sage, es ist Kunst, dann ist es Kunst." In Wirklichkeit soll er gesagt haben: "Wenn ich sage, es ist Kunst, dann ist es für mich Kunst". Das erste ist eine sehr arrogante, angriffslustige Aussage. Die zweite besagt einfach, dass Kunst persönlich und subjektiv ist. Nun, Sie mögen sagen, dass ein Foto, das sehr nachlässig komponiert und ausgeführt ist, Kunst ist, aber für mich ist es schlechtes Handwerk und kaum mehr als das. Andererseits ist Kunst für mich das, was mich auf eine ganz besondere Weise beeindruckt.
Wenn wir alte Kunst betrachten, sehen wir sie mit einem zeitgenössischen Auge. Wir haben keine Ahnung, wie sie aussah, als sie gemacht wurde, was der Schöpfer beabsichtigte. Wir sehen uns alte indianische Teppiche und Töpfe an und betrachten sie als Kunst. Nun, ursprünglich waren sie zeremoniell und religiös. Wir wissen nicht, ob die Indianer einen so genannten ästhetischen Sinn hatten oder nicht. Vielleicht interpretieren wir etwas in sie hinein, etwas, das mit unserem besonderen Bewusstsein und unseren Empfindungen zu tun hat. Manchmal werden Dinge über Gebühr gelobt, nur weil sie alt, einzigartig und selten sind. Rembrandt ist ein Beispiel dafür. Ich war nie glücklich mit seinen Werken, zumindest nicht mit den Gemälden. Einige der Radierungen sind wunderbar, aber ich habe das Gefühl, dass die meisten Gemälde etwas sehr Wiederholendes haben. Aristoteles mit einer Homer-Büste, das Bild, das die Metropolitan für 2.000.000 Dollar gekauft hat - ich finde, das ist ein schreckliches Gemälde. Aber es ist Rembrandt, also ist es fast ein Sakrileg, das zu sagen. Andererseits denke ich, dass Norman Rockwell nach 100 Jahren als historischer Maler angesehen werden wird. Er war ein sehr guter Handwerker, und im Moment mögen wir seinen Geschmack für kitschig und unmöglich halten, aber wir wissen nicht, was in 100 Jahren geschehen wird. Man wird sagen, dass sein Werk seine Zeit repräsentiert hat und eine Ästhetik um ihn herum aufgebaut werden wird.
Sie haben erwähnt, dass Sie von der Literatur beeinflusst wurden. Der Naturforscher John Muir schrieb über dieselben Teile des Westens, die Sie fotografiert haben. War er eine Inspiration?
Ich habe seine Werke gelesen, aber sie haben mich nicht beeinflusst. Muirs Ideale gefallen mir, aber nur wenig von seinem Text. Ich meine, es ist keine große Literatur. Die Leute haben Thoreau auch auf meinen Bildern gesehen, aber er hat mich immer gestört. Er war ein wenig positiv und didaktisch, so ähnlich wie Emerson. Die Poesie, die ich am liebsten mag, ist die Poesie, die am besten klingt. Ich reagiere nicht auf Shakespeare; für mich ist das alles ziemlich bombastisch und sehr gekünstelt. Um ehrlich zu sein, denke ich: Warum sollte ich so viel Zeit mit einem so trostlosen Haufen von Menschen verbringen? Außerdem ist es oberflächlich. Ich gebe zu, dass einige seiner Sonette wunderschön sind, aber ich langweile mich einfach. Für mich passiert einfach nichts. Ich bin vielleicht ein Arschloch, weil ich das sage, aber ich muss ehrlich zu Ihnen sein. Wenn du sagst, dass es für dich passiert, wenn es nicht passiert, bist du ein verdammter Lügner. Das ist das Schreckliche, was in der Kunst passiert. Man soll Rembrandt genießen, man soll Shakespeare genießen.
Leider erfreuen sich viele Menschen an ihnen, weil sie es sollen. Nun, ich liebe Milton. Ich glaube nicht an irgendetwas, worüber er schreibt, aber seine Werke sind so schön aufgebaut. Dasselbe gilt für Robinson Jeffers. Wunderschöne Struktur und Klang.
Welchen Platz nimmt das Handwerk in der Diskussion über die Kunst der Fotografie ein?
Als Musiker muss ich meine Noten kennen. Wenn ich ein Konzert geben würde und sie nicht kennen würde, würde ich von der Bühne fliegen. Selbst die freie Musik, wenn sie gut ist, basiert auf Handwerk, auf wiederholbarem Handwerk. Das andere Zeug - nun, das ist heute hier und morgen weg. Die meisten Menschen, die malen, fotografieren oder auftreten, sind keine Künstler. Sie machen etwas anderes.
Nehmen Sie die vielen Fotografen der staubigen Zeit der dreißiger Jahre und die Fotografen, die im Rahmen des Farmsiedlungsprojekts arbeiteten - das, was die meisten Leute als Dokumentaristen bezeichnen. Es gibt eine ganze Reihe guter Bilder aus dieser Zeit, aber die von Dorothea Lange sind herausragend unter ihnen. Der Unterschied ist etwas Magisches, etwas Poetisches, der Unterschied in der Wahrnehmung, eine schärfere Übertragung von Emotionen.
Nachdem Sie die Abzüge von Strand gesehen und beschlossen hatten, Fotograf zu werden, hatten Sie sofort Erfolg?
Ich hatte zuvor einen Mann namens Albert Bender, einen Kunstmäzen aus San Francisco, auf einer Party kennen gelernt. Er sagte, dass ihm meine Bilder gefielen und er meine Mappe sehen wollte. Nun, ich hatte keine Mappe, also stellte ich einige meiner Bergbilder zusammen und zeigte sie ihm am nächsten Morgen. Er machte sich enthusiastisch an die Arbeit und sammelte 6000 Dollar von Freunden, was damals genug Geld war, um alle Abzüge zu machen und eine Mappe zu produzieren. Davor hatte ich nur sehr wenige Abzüge verkauft. Ich habe sie an meine Freunde verschenkt. Um 1920 hatte ich vielleicht ein paar Fuzzy-Wuzzies von Wacholderbäumen im Yosemite für zehn Dollar verkauft. Das war's. Später in den zwanziger Jahren verkaufte ich ein paar Sachen an den Sierra Club, aber dank Benders Unterstützung konnte ich mein Handwerk weiterentwickeln. Mit diesem Geld stellte ich Taos Pueblo fertig , meinen Fotoband über dieses Thema in New Mexico, mit einer Monografie von Mary Austin. Das Buch fand große Beachtung.
Wie ging es weiter?
In den Jahren 1930 und 1931 wurde mir die Bedeutung der Sachfotografie bewusst. Ich arbeitete an meiner Technik und lernte schließlich andere kennen, die ebenfalls an dieser Art von Fotografie interessiert waren, darunter Willard van Dyke und Imogen Cunningham. Wir kamen ins Gespräch und beschlossen, dass wir etwas unternehmen sollten. Wir waren alle begeistert von der neuen Ästhetik. Willard und ich waren besonders erpicht darauf, etwas dagegen zu unternehmen, und zusammen mit Weston, Imogen, Henry Swift, Sonia Noskowiak und John Paul Edwards gründeten wir eine Gruppe namens f/64, die sich zu einer sehr wichtigen Bewegung in der Fotografie entwickelte. Wir waren der Meinung, dass wir uns zusammentun und ein visuelles Manifest herausgeben sollten - das war ein großer Begriff. Es war eine ganz neue Vision, eine ganz neue Ästhetik der Fotografie. Es war der Kamm einer Welle.
Was war die Philosophie der Gruppe f/64?
Es war die Hingabe an den geraden Druck, an Papieroberflächen ohne Texturen, die mit der Bildtextur in Konflikt geraten würden. Es war der Glaube an die Schärfe des gesamten Fotos. Mit anderen Worten: gutes Handwerk. F/64 ist eine kleine Blende an der Kamera, die große Schärfentiefe und Schärfe bietet. Es war die Konzentration auf Bilder, die nicht sentimental oder allegorisch waren. Es war eine Reaktion, eine starke Reaktion gegen die Piktorialisten, die sich den Kopf darüber zerbrachen, wie ein Foto aussehen sollte, nur nicht wie ein Foto. In dem Versuch, kreativ zu sein, haben sie die Bilder retuschiert und verfremdet. Abscheuliches Zeug! Weston nannte sie die "Fuzzy-Wuzzies". Sie gingen auf die Straße und suchten sich einen alten Penner mit verfilztem Bart, besorgten eine Tafel mit Blindenschrift und ließen den alten Mann seine Finger auf die Blindenschrift legen. Sie setzten ihn in einen alten Stuhl und ließen ihn durch eine Zigarettenrauchwolke nach oben schauen, die von einem Scheinwerfer angestrahlt wurde. Der Titel lautete: Meine Augen haben die Herrlichkeit gesehen. Das muss schon tausendmal gemacht worden sein. Es gab auch schleimige Aktfotos. Diese Fotografien waren schrecklich konstruiert, seichte Werke, schreckliche Stimmungen - einfach schreckliches Zeug, dem es völlig an kreativer Intensität fehlte, genau das, worüber wir so begeistert waren.
f/64 war also eine Reaktion darauf. Was hat die Gruppe erreicht?
Nun, sie führte zu meiner ersten Einzelausstellung, 1932 im M. H. de Young Memorial Museum in San Francisco. Die Leute reagierten seltsam. Sie haben diese Art der Fotografie nicht verstanden. Die Kritik war eigentlich sehr lustig, da meine Arbeit für die meisten Leute, die nur die Fotografien der Piktorialisten gesehen hatten, völlig neu war. Der Durchschnittsbürger hatte noch nie eine Fotografie gesehen, die ein scharfes, präzises Bild mit einer glänzenden Oberfläche hatte. Die Leute kratzten sich am Kopf und sagten: "Das scheint keine künstlerische Qualität zu haben - oder doch?" Und es gab weitere Briefe an den Museumsdirektor, in denen es hieß: "Was hat die Fotografie in einem Kunstmuseum zu suchen?" Das Gleiche geschah, als ich die Fotografieabteilung an der California School of Fine Arts, dem heutigen San Francisco Art Institute, ins Leben rief. Die Maler stöhnten: "Sie nehmen den Künstlern den Platz weg ."
Sie haben sich auf Stieglitz bezogen. Wie haben Sie ihn kennengelernt?
1933, ein Jahr nachdem wir f/64 gegründet hatten, reiste ich eigens nach New York, um ihn zu treffen. Als ich ankam, scherzte er: "Ich habe von dieser Gruppe f/64 gehört, die Sie da draußen haben. Nun, ich bin f/128." Tatsächlich war er sehr angetan von dem, was f/64 zu tun versuchte. Wir kamen sehr gut miteinander aus, und nach diesem ersten Treffen blieben wir in Kontakt. Jedes Mal, wenn ich nach New York fuhr, nahm ich ihm meine neuesten Abzüge mit. Schließlich sagte er: "Die müssen wir zeigen." Zu dieser Zeit war Stieglitz einer der wichtigsten Macher in der Kunstwelt. Er war einer der wenigen echten Geschmacksbildner. Neben vielen anderen Errungenschaften führte er Rodin und Matisse in Amerika ein und förderte amerikanische Künstler wie John Marin, Georgia O'Keeffe und Arthur Dove. Er war insofern einzigartig, als er nicht zwischen Malerei und Fotografie unterschied - es war alles Kunst.
Wie hat New York auf die Kunst von Ansel Adams reagiert?
Es war sehr erfreulich. Mit Stieglitz' Unterstützung war die Ausstellung ein großer Erfolg.
Sie waren maßgeblich daran beteiligt, dass die Fotografie als Kunst in Museen und Universitäten anerkannt wurde. Glauben Sie, dass sie fast ein halbes Jahrhundert später als legitime Kunst anerkannt wird?
Größtenteils schon, aber es gibt immer noch Leute, die schwer zu überzeugen sind, fürchte ich. Es gibt eine merkwürdige Feindseligkeit zwischen Malern und Fotografen. Die Budgets der Universitäten werden gekürzt, so dass die Maler in einer Kunstabteilung argumentieren, dass sie mehr verdienen als die Fotografieabteilung, mit der Begründung, dass die Fotografie eine geringere Kunst sei. Das ist doch verrückt. Nun, das ist ein typisches Ergebnis all der Budgetkürzungen. [Vielen Dank, Mr. Reagan. [Ich würde ihn gerne hier drin ertränken. [Oh, mein Gott! Das wurde auf Band aufgenommen. An das FBI, falls Sie zuhören: Das war nur so dahingesagt. Er würde nicht in meinen Martini passen.
Bei all der Automatisierung, die wir heute haben, vergisst man leicht, in welch primitivem Medium Sie gearbeitet haben.
Ja. Es ging nur um Versuch und Irrtum und Erfahrung. Die Menschen arbeiteten wie Hunde, bis sie bekamen, was sie wollten. Solange man die gewünschten Werte nicht kannte und nicht wirklich wusste, was der Film bewirken würde, war man hilflos. Ich erinnere mich, dass ich in der Anfangszeit vielleicht vier oder fünf Bilder von einem Motiv gemacht habe. Ich nahm eines auf, von dem ich hoffte, dass es richtig war, aber ich war mir nicht sicher, also ging ich auf der Belichtungsskala ein paar halbe Blenden nach oben und nach unten, machte ein paar weitere und wählte dann das beste aus. Die Messgeräte zeigten nur durchschnittliche Werte an. Erst als das S.E.I.-Fotometer auf den Markt kam, konnte man spezifische Messwerte für die Spot-Fläche erhalten, und erst wenn man eine Kurve verstand, konnte man die Beziehung zwischen Belichtung und Dichte herausfinden, was für eine echte Kontrolle notwendig war.
Es ist bekannt, dass Ihr Zonensystem die Fotografie revolutioniert hat. Wie haben die Leute darauf reagiert?
Viele Leute waren verwirrt. Sie dachten, ich sei verrückt. Edward Weston glaubte an seinen empirischen Ansatz. Sein Sohn Brett sagte: "Ich kann es nicht verstehen. Ich vertraue meinem Auge." Wenn er gewusst hätte, was er tat, wären seine Bilder vielleicht besser geworden. Im Grunde genommen wollten sich die Leute nicht die Mühe machen, die Technik zu lernen.
Können Sie das Zonensystem in nicht zu technischen Begriffen beschreiben und erklären, warum es so wichtig war?
Wie ich bereits sagte, hatte ich das Gefühl, dass beim Fotografieren zu viel dem Zufall überlassen wurde, und es bestand offensichtlich Bedarf an einem bewährten, effizienten, wiederholbaren System, das Menschen mit individuellen Stilen beigebracht werden kann. Vereinfacht gesagt, ermöglicht das Zonensystem dem Fotografen, den Tonwertumfang eines Bildes vorherzusehen und zu kontrollieren. Die Zonen sind im Wesentlichen Graustufen, die von Schwarz, also Null, bis Weiß, also Zehn, reichen. Sie entsprechen den Belichtungseinstellungen der Kamera und können verwendet werden, um die relative Helligkeit der einzelnen Teile des fotografierten Motivs so zu bestimmen, wie sie auf dem Abzug erscheinen werden. Im Grunde ist das Zonensystem eine genauere Erweiterung der zuvor beschriebenen Visualisierung.
Ist es universell anwendbar?
Ja, sogar auf Farbe.
Lassen Sie uns für einen Moment in die Gegenwart wechseln. Fotografieren Sie immer noch?
Ja, nach einer langen Unterbrechung. Das Problem war, dass sich im Laufe der Jahre eine große Anzahl von Negativen angesammelt hatte - Tausende -, die ich aufgrund des Drucks meiner beruflichen Tätigkeit nie zum Drucken gebracht hatte. Da ich körperlich langsamer werde, habe ich mich wieder mit den alten Negativen beschäftigt. Ich muss sie wirklich nachholen. Trotzdem habe ich immer die Absicht, neue Arbeiten zu machen. Jetzt habe ich mir vorgenommen, bei jeder sich bietenden Gelegenheit ins Freie zu gehen und zu versuchen, neue Fotos zu machen.
Sehen Sie die Dinge jetzt anders, wenn Sie durch einen Sucher blicken? Suchen Sie nach anderen Dingen?
Nun, ich gehe einfach durch die Welt und sehe plötzlich etwas, das ich in einem Abzug visualisieren kann. Dann arbeite ich. Wie Edward Weston zu sagen pflegte: Wenn ich an einem bestimmten Ort zu lange warte, verliere ich wahrscheinlich irgendwo anders etwas. Wenn ich weiß, dass sich bestimmte Bedingungen innerhalb kürzester Zeit ändern werden, kann ich warten. Aber zu sitzen und zu warten, dass etwas passiert, ist Zeitverschwendung. Weder die Momente der großen Aspekte der Natur noch die winzigen Aspekte, die ebenso wichtig sind, werden warten oder mehr als einmal auftreten.
Lassen Sie uns über die Fotografien selbst sprechen. Betrachten Sie das Negativ und den Abzug als getrennte Einheiten?
Ja, in dem Sinne, dass das Negativ wie die Partitur des Komponisten ist. In Anlehnung an die Musik ist der Abzug dann die Aufführung. Wenn man das Negativ betrachtet, sollte man bedenken, dass das Auge eine erstaunliche Fähigkeit hat, Details zu sehen, die der Film nicht erfassen kann. Der Film hat eine sehr begrenzte Reichweite, insbesondere bei der Farbe. Ich arbeite innerhalb der Grenzen des Materials. Innerhalb dieser Grenzen habe ich neben der anfänglichen Komposition viele Kontrollmöglichkeiten. Wenn ich den Abzug visualisiere, weiß ich, welche Werte ich empfinde. Vielleicht möchte ich einen Filter verwenden, um einen Wert in einem Teil der Szene im Verhältnis zu einem anderen zu verändern. Ich bestimme die geeigneten Kameraeinstellungen und das Timing. All diese Dinge gehen mir automatisch durch den Kopf, sehr schnell, wie bei einem Computer. Wenn ich weiß, was nötig ist, um die Visualisierung auf dem Negativ festzuhalten, weiß ich auch, was ich in der Dunkelkammer mit dem Abzug machen werde, obwohl ich in der Dunkelkammer experimentieren, verbessern und verschönern kann. Zuerst muss man jedoch alle Informationen, die man braucht, auf dem Negativ haben. Wenn man sie hat, kann man drucken.
Und jetzt die Vorstellung. Genauso wie ich große Freiheit habe, wenn ich ein Chopin-Scherzo von einer gedruckten Seite aus aufführe, habe ich große Freiheit bei der Herstellung des Abzugs. Ich kann nicht gegen die grundlegende Musik vorgehen, aber ich kann sie, wie ich schon sagte, verbessern. Deshalb werden die Bilder, die ich im Laufe der Jahre von ein und demselben Thema mache, sehr unterschiedlich sein. Jedes einzelne ist ein gefühlter Ausdruck, der mit der ursprünglichen Partitur, der ursprünglichen Visualisierung verbunden ist. Viele Leute glauben das nicht; sie denken, dass die Fotografie starr ist, dass man ein Bild auf einem Negativ einfängt und es auf dem Abzug einfach wiederholt. Nun, das ist physikalisch unmöglich und sicherlich auch ästhetisch unerwünscht. Jede Vorstellung ist eine Schöpfung, die Schaffung von etwas Neuem.
Wenn Sie einen Abzug von einem Bild machen, das Sie vor 20 oder 30 Jahren gedruckt haben, machen Sie es dann absichtlich anders?
Nicht absichtlich, sondern unweigerlich. Ich habe neue Ideen, ich erkenne etwas Neues im Negativ, ich entdecke Werte. Ich stelle fest: Oh je, ich habe etwas übersehen. Vielleicht habe ich etwas ganz Subtiles übersehen, denn ich neige dazu, zu viel zu drucken, um die Dinge wirklich reichhaltig und klangvoll zu gestalten. Sechs Monate später möchte ich vielleicht etwas anderes sagen.
Was sind die Unterschiede zwischen einem frühen Adams-Druck und einem späteren Druck desselben Bildes?
Die neueren Abzüge sind weniger zaghaft. Die frühen Abzüge sind weicher, manche meinen, subtiler. Ich habe jetzt eine ganz andere Vision. Die Ergebnisse sind vielleicht noch dramatischer. Es ist ein Wachstum der Vision oder - wer weiß? - vielleicht ein Rückschritt. [Auf jeden Fall ist es anders, so wie ein Konzertkünstler ein und dasselbe Stück im Laufe der Jahre anders aufführt. Vor einigen Jahren hörte ich das Orchester der New York Chamber Music Society ein Haydn-Klavierkonzert mit Rudolf Serkin als Solist spielen. Der letzte Satz war besonders herrlich, und alle waren ekstatisch. Das gesamte Orchester wurde zurückgerufen und der letzte Satz wurde wiederholt. Serkin spielte ihn anders; er fügte seiner Interpretation ein wenig Magie hinzu, und das Publikum war völlig aus dem Häuschen. Das Orchester kam für eine zweite Zugabe zurück, und Serkin spielte den letzten Satz noch einmal. Und er gab ihm eine andere Wendung. Der Rhythmus war derselbe, die Noten, die Phrasierung - nur gewisse Feinheiten, eine kleine Betonung hier und da. Drei subtile Variationen an einem Abend! Es war wundervoll. Solche Variationen sind das Privileg des Künstlers. Wenn meine neueren Drucke kühner und dramatischer erscheinen, so liegt das daran, dass ich selbstbewusster geworden bin und besser erreicht habe, was ich wollte.
Werden Sie jemals die Noten ändern - einen Teil des Negativs absichtlich weglassen, um so die Natur zu "verbessern"?
Nun, man verbessert die Natur nicht, sondern man gibt seinen Eindruck von der Natur oder die Wirkung der Natur auf einen selbst wieder. Sie haben ein dreidimensionales Objekt und einige natürliche Farben vor sich, und Sie schaffen ein zweidimensionales Objekt in Schwarzweiß, was an sich schon eine Abstraktion dessen ist, was Sie gesehen haben. Ein Teil der Interpretation hat einfach mit der Sensibilität des Films zu tun. Moonrise, Hernandez, New Mexico wäre vor 100 Jahren nicht möglich gewesen. Der Film war nicht empfindlich genug, um es einzufangen. Der Mondaufgang ist ein gutes Beispiel für die Kontrolle des Bildes auf dem Negativ, um die Visualisierung zu erreichen. Die leichten Wolken am Himmel über der Kirche empfand ich als unattraktiv; sie nahmen der Szene ihre Dramatik. Schon bei der ersten Visualisierung wusste ich, dass ich sie abdunkeln, ja fast eliminieren konnte. Ich konnte nicht warten, bis sich etwas änderte, also machte ich das Foto und druckte den Himmel sehr tief ab, so dass die hohen Wolken nur zu etwa einem Prozent sichtbar waren.
DerMondaufgang ist eines Ihrer bekanntesten Bilder. Können Sie sich an die Aufnahme erinnern?
Ich fuhr durch das Chama Valley zurück nach Santa Fe, nachdem ich einen Tag lang erfolglos versucht hatte, einen Baumstumpf zu fotografieren. Schließlich gab ich auf und fuhr nach Süden, wobei ich ab und zu aus dem Fenster schaute. Dann sah ich es: die Kirche, den Friedhof, den Mond. Ich dachte: Lass das Auto stehen! Ich rief meinen Freunden zu, sie sollten das Stativ herausholen. Ich machte meine Kamera bereit. Ich musste das vordere Objektivteil gegen das hintere austauschen und den Filter finden. Ich wusste, dass ich etwas Wunderbares hatte, aber ich konnte den Belichtungsmesser nicht finden. Die Werte sind sehr schwer zu beurteilen, aber ich wusste, dass der Mond einen Leuchtdichtewert von 250 Kerzen pro Quadratfuß hat, also rechnete ich von dort aus.
Ich war so begeistert, dass ich ein Duplikat machen wollte - nur um sicherzugehen. Ich drehte den Filmhalter um, und als ich den Auslöser betätigen wollte, erlosch das Licht auf den Kreuzen. Die Kreuze auf dem Friedhof wurden von einer sehr späten Sonne beleuchtet, die am Rande der Wolken hinter mir vorbeizog. Als die Sonne weg war, verschwand auch der Zauber.
Erst jetzt kann ich Ihnen das genaue Datum und die Uhrzeit sagen, zu der ich das Bild aufgenommen habe. Ich war nie besonders gut darin, mir die Daten zu merken, wenn ich meine Fotos machte. Ich habe immer die Belichtung aufgeschrieben, aber es hat die Historiker verärgert, dass ich mir nie die Daten gemerkt habe. In einem Buch datierte ich mein Pine-Cone and Eucalyptus Leaves auf 1936 und erhielt einen Brief von dem Historiker Beaumont Newhall, der sagte, er habe eine Zeitschrift mit dem Foto darin, das 1934 reproduziert wurde. Ich war mir nie ganz sicher, was den Mondaufgang angeht, bis vor zwei Jahren ein Astronom berechnete, dass es nur einen Zeitpunkt gab, an dem der Mond genau so gestanden haben konnte wie auf dem Bild: 16:05 Uhr, 31. Oktober 1941.
Wussten Sie damals, dass Sie ein denkwürdiges Foto gemacht hatten?
Ich wusste, dass es ein wichtiges Bild war. Ich stellte mir dieses wunderbare Bild vor und hoffte, dass ich es eingefangen hatte. Als ich anfing, es zu entwickeln, begann ich mir Sorgen zu machen. Zuerst wollte ich das Bild etwas weniger als normal entwickeln lassen - nämlich gar nicht. Aber ich dachte mir, dass es dann den Kontrast der Schatten im Vordergrund nicht halten würde. Ich habe es im Wasserbad entwickelt. Ich hatte befürchtet, dass ich das Negativ stark unterbelichtet hatte. Ich geriet fast in Panik, bis ich feststellte, dass das nicht der Fall war; ich hatte es geschafft! Der erste Abzug zeigte einige verstreute Wolken am Himmel, die dem Gesamtbild nicht sehr zuträglich waren. Sie schwächten die Stimmung. Also habe ich den Himmel immer dunkler gedruckt, bis ich das Bild hatte, das ich vor meinem geistigen Auge gesehen hatte.
Ist Moonrise eine akkurate Darstellung Ihres Gesamtwerks?
Nun, es ist eine sehr intensive Visualisierung. Es ist ein Beispiel für das Beste aus meinem Werk. Aber wenn es Moonrise nicht gegeben hätte, wäre etwas anderes an seine Stelle getreten. Ich habe einen Stapel von Abzügen. Jeder von ihnen könnte, wenn er der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird, große Aufmerksamkeit erregen. Die Leute lieben Aspens, New Mexico, das ein völlig unwirkliches Bild ist. Ich denke, ein Teil der Wirkung des Fotos ist sein Maßstab. In meinen Fotografien gibt es Werte von völligem Schwarz bis zu völligem Weiß, was einen brillanten, dramatischen Kontrast ergibt. Clearing Winter Storm ist sehr beliebt. Monolith, das Gesicht des Half Dome, natürlich. Ein paar andere.
1976 kündigten Sie an, dass Sie keine Bestellungen mehr für Abzüge annehmen würden. Es wurde behauptet, Sie würden versuchen, den Wert Ihrer Arbeit aufzublähen. Was sagen Sie zu diesem Vorwurf?
Das ist Blödsinn. Der Grund dafür, dass ich keine Drucke mehr anfertigte, war, dass sich die Druckaufträge sowohl von Privatpersonen als auch von Galerien stapelten, als ich immer bekannter wurde. Ich verbrachte einen großen Teil meiner Zeit in der Dunkelkammer und machte fünf Abzüge von diesem, zwei von jenem und sieben von dem anderen. Jedes Mal, wenn neue Aufträge hereinkamen, musste ich neue Tests für die jeweilige Emulsion des verwendeten Papiers machen, und schließlich war ich so sehr mit der Herstellung von Abzügen beschäftigt, dass ich nichts anderes mehr tat. Freunde rieten mir, mich mit der kreativen Seite der Fotografie zu beschäftigen und nicht zu einer Druckerei zu werden. Wir kündigten an, dass wir eine letzte Serie von Aufträgen annehmen würden und das war's dann; danach würde es nichts mehr zu verkaufen geben. Seitdem kann ich Abzüge nur noch an Leute verkaufen, die sie an Hochschulen, Bibliotheken oder Museen spenden wollen. Die Abzüge wurden für etwa 800 Dollar pro Stück verkauft. Ich erwartete Bestellungen für etwa 1000 Abzüge. Stattdessen gingen 3400 ein. Es hat zwei Jahre gedauert, diese zu drucken.
Ihre kommerzielle Fotografie war immer einträglich für Sie, aber war Ihre Fine-Print-Fotografie auch einträglich?
Oh, nein. Bis vor relativ kurzer Zeit gab es keinen Markt für Fotografie als Kunst. In den dreißiger Jahren verkaufte Edward Weston seine schönsten Abzüge für 15 Dollar. Zu dieser Zeit verkaufte er mehr als jeder andere. Das war teuer für einen fotografischen Abzug. Meine verkauften sich für zehn Dollar, vielleicht 15 Dollar. Ein paar Mal habe ich 25 Dollar bekommen. Vor 1970 gab es nur sehr wenige Abzüge, die wirklich Geld wert waren. Künstler wie Frederick Sommer machten zwei oder drei Abzüge von einem Negativ und bekamen 1000 oder 1500 Dollar für jeden. Stieglitz fertigte nur sehr wenige Abzüge an. Gelegentlich konnte er eines für 1000 Dollar verkaufen. Strand hat vielleicht fast so viel bekommen. Das war, als die meisten von uns zehn Dollar bekamen. Erst um 1970 schossen die Preise in die Höhe.
Wie kam es dazu?
Fotografien hatten sich als wertvolle Sammlerstücke durchgesetzt. Die Leute fanden heraus, dass sie sich fotografische Originalabzüge zu einem allgemein angemessenen Preis leisten konnten, während die meisten Original-Lithografien oder -Radierungen von Künstlern der gleichen Zeit, einschließlich Picasso, vergleichsweise teuer waren. Es war der Beginn des so genannten Fotobooms, der fast ein Jahrzehnt lang anhielt.
Als wir die Abzüge in der Mappe für 800 Dollar pro Stück verkauften, war das für die damalige Zeit hoch, aber nicht abwegig. Es ist ein wenig peinlich, wenn man so hohe Preise für seine Arbeit zahlen muss - Preise, von denen man nie zu träumen gewagt hätte -, aber es war gut, denn es förderte den Preisanstieg in der gesamten Fotografie. Viele gute Fotografen konnten endlich ihren Lebensunterhalt mit kreativer Fotografie verdienen.
Seitdem ist der Markt natürlich weit darüber hinausgeschossen, so dass 1978 die Preise für Fotografien schneller stiegen als für alle anderen Kunstwerke.
Ja. Fotografien wurden zum neuen "In", und die Preise spiegelten dies wider.
Das ging so weit, dass ein großer Abzug Ihres Bildes "Mondaufgang" den Rekord für den teuersten je verkauften fotografischen Abzug aufstellte: 71.500 Dollar.
Das ist ziemlich absurd. Ich habe gescherzt: "Wissen die nicht, dass ich noch nicht tot bin?" Ich meine, es ist absolut lächerlich. Die Leute dachten, ich würde mit den Arabern konkurrieren, als sie von diesen Preisen hörten. Ich war sofort auf einem Dutzend Mailinglisten von Leuten, die mich um Geld baten. Aber ich habe mit diesen hohen Preisen nichts zu tun. Es ist wie auf dem Aktienmarkt. Investoren und Spekulanten beeinflussen den Kunstmarkt. Für den "Mondaufgang", der für 71.500 Dollar verkauft wurde, erhielt ich vor 15 Jahren etwa 200 Dollar.
Man hat Ihnen auch vorgeworfen, dass Sie an Preismanipulationen für Ihre Drucke bei Auktionen beteiligt waren. Haben Sie das getan?
Nein, niemals. Das heißt aber nicht, dass es nicht passiert. Nehmen wir an, ein Händler hat drei Drucke von Monolith und möchte sie für mindestens 15.000 Dollar verkaufen. Bei der Auktion sieht er, dass eines für 12.000 Dollar verkauft wird. Er wird ein höheres Gebot abgeben, den Preis halten und das Bild sogar selbst zurückkaufen. Vielleicht geht er sogar noch höher - 16.000, 17.000 Dollar -, denn damit steht der Preis fest. Plötzlich ist der Monolith von Adams 17.000 Dollar wert. Das passiert bei allen Auktionen, aber ich habe damit nichts zu tun.
Wenn die Preise so in die Höhe schießen, kann das einer Kunstform schaden? Kann das für die Künstler negative Folgen haben?
Wenn die Preise überhöht sind, bedeutet das nur, dass die hohen Preise nicht von Dauer sein werden. Im Allgemeinen bedeuten höhere Preise jedoch, dass Fotografen von der Kunstfotografie leben können; sie brauchen nicht unbedingt "richtige" Jobs, um ihre Kunst zu finanzieren. Ich stimme zu, dass der Künstler nicht extravagant sein sollte, aber er sollte auch nicht verhungern. Ich leide nicht. Ich lebe in einem sehr kreativen Umfeld. Finanziell geht es mir gut, aber das Geld ist erst seit kurzem da. In all den Jahren, in denen ich mich abmühte, geschah dies jedoch nicht aus Prinzip. Ich finde die Hingabe an die Armut eine sehr seltsame Sache. Ich denke, sie ist in erster Linie eine Rechtfertigung dafür, dass manche Menschen nichts anderes tun können.
Es gibt einen wichtigeren Punkt, den ich hier ansprechen möchte. Ich glaube, dass der Künstler ein Recht auf ein gutes Leben hat, zumindest auf ein gesichertes Leben. Es ist die Pflicht einer Gesellschaft, die Kunst zu fördern, indem sie bildende Künstler in allen Bereichen unterstützt. Es ist ein Verbrechen, dass die Budgets zur Unterstützung der Künste zu den ersten gehören, die gekürzt werden.
Es stimmt doch auch, dass Ihre Unterschrift den Wert Ihrer Bücher und Ihrer Plakate steigert, oder?
Buchhändler sollten nicht mehr für ein Buch verlangen, weil es meine Signatur trägt. Bei Auktionen jedoch, bei denen das Geld für wohltätige Zwecke verwendet wird, hat das signierte Yosemite-Buch schon $1200 erzielt. Ein signiertes Poster, das 15 Dollar kostet, kann 650 Dollar einbringen. Es ist schon seltsam, dass die Unterschrift so viel bedeutet. Ich bin gebeten worden, Karten, Toilettenpapier und sogar den Arm von jemandem zu signieren. Bei Buchsignierungen haben die Leute stundenlang für ein Autogramm angestanden.
Macht es Ihnen nichts aus, das zu tun?
Die Leute verlassen sich darauf, dass ich es tue; ich kann nicht Nein sagen. Eine Sache, die ich getan habe, die die Leute sehr verärgert, ist, dass ich die Unterschriften nicht mehr personalisieren werde. Das kann ich einfach nicht. Die Leute kommen und wollen eine für ihre liebe, großartige Freundin, wer auch immer, und für die Tante ihrer Mutter, Laura, zu ihrem Geburtstag. Die meisten Leute verstehen das, aber es gibt auch welche, die sich darüber aufregen. Ich sage ihnen, sie sollen mich suchen, wenn ich allein in einer dunklen Gasse bin und nicht noch tausend andere Leute auf meine Unterschrift warten.
Zerstören Sie die Negative, um sicherzustellen, dass Ihre Abzüge limitierte Auflagen bleiben?
Nein. Brett Weston sagt, dass er das tun wird. O'Keeffe hat ein kleines X in die Ecke jedes Stieglitz-Negativs geritzt. Sie sollen an Museen gehen, aber das kleine X wird die Arbeit mit ihnen nicht gerade erleichtern. Meine Negative gehen alle an das Center for Creative Photography an der Universität von Arizona, aber ich habe ausdrücklich erklärt, dass ich möchte, dass sie von fortgeschrittenen Studenten gedruckt werden und nicht einfach in einer Kiste eingeschlossen werden. Wenn neue Drucktechniken aufkommen, wird es faszinierend sein, die Ergebnisse mit diesen Negativen zu sehen. Das verbindet sie wiederum mit Musikpartituren, die verwendet und wiederverwendet, interpretiert und neu interpretiert werden können. Bedenken Sie, dass Bach und Mozart und sogar Beethoven keine Vorstellung von einem modernen Flügelklang hatten. Wir haben jetzt die Möglichkeit, die alte Musik zu verbessern. So wie die Elektronik in der Musik Einzug gehalten hat, so hält sie auch in der Fotografie Einzug. Es gibt ein enormes Ausdruckspotenzial. Ich bin sicher, dass in zehn Jahren Bilder von meinen Negativen herauskommen werden, von denen ich nie zu träumen gewagt hätte. Schon jetzt verbessert die Technologie das Endprodukt. Schon jetzt kann ich keinen Abzug mit der Qualität des Laser-Scan-Drucks herstellen, und wer weiß, was noch alles kommen wird?
Die Kritiker haben Sie im Allgemeinen positiv bewertet, aber in den letzten Jahren scheinen sie weniger begeistert zu sein. Sind Sie damit einverstanden?
Die Kritiker sind nie zufrieden mit etwas, das sich durchsetzt. Manche Leute haben gesagt, ich sei nur ein Postkartenfotograf. Ich mache mir nicht einmal die Mühe, ihnen zu antworten. Andere haben es in die andere Richtung übertrieben und meinen Arbeiten alle möglichen mystischen Interpretationen gegeben. Es gibt nur sehr wenige Kritiker, die meine Arbeit verstanden haben oder sie fair betrachtet haben. In der Regel gehen die Kritiker nichts auf den Grund, sie sind oberflächlich. Das ist auch nicht wirklich wichtig. Kunstkritiker sind größtenteils eine Art lächerlicher Haufen. Im Allgemeinen werde ich wohl von Kritikern und anderen Fotografen respektiert, aber ich verärgere auch viele junge Leute. Es ist ganz natürlich, dass sie sich gegen das wehren, was sie für meine konservativen Vorstellungen von Fotografie halten.