Diesen Freitag stellt die in Brooklyn lebende Künstlerin Tamara Santibañez Landscapes vor, eine Sammlung großformatiger Gemälde, die sich auf ein einziges unbelebtes Objekt konzentrieren: eine schwarze Lederjacke.
Die moderne, sexy Herangehensweise an einen Klassiker ist ein wiederkehrendes Thema in Santibañez' Werk, und Landscapes, das in der Galerie Slow Culture in L.A. gezeigt wird, stellt einen gezielten Schritt in ihrer Entwicklung als Künstlerin dar, die lange von Punk, Fetischismus und Chicano-Tätowierungen inspiriert war. Sie sieht die eklektische, aber überraschend kohärente Sammlung von Themen und Techniken, die sie gerne erforscht, als eine Form des Selbstporträts, aber auch als eine Möglichkeit, sich mit universelleren Ideen über Sex, Gender und kulturelle Identität auseinanderzusetzen. Die Gemälde in Landscapes hält sie für ihre bisher aufschlussreichsten Arbeiten.
Das vergrößerte, fotorealistische Leder, das sich in warmen, öligen Details über die Leinwand wälzt, ist einfach, aber schön. Für Santibañez ist es auch sehr persönlich: "Ich male vor allem Objekte, die ich selbst besitze und die ich über Jahre hinweg getragen habe", erklärt sie. "Die Lederjacke ist eine Möglichkeit, meinen eigenen Körper als eine Art Selbstporträt abzubilden."
Wir haben uns mit Santibañez zusammengesetzt, um alles zu besprechen, von ihrer frühen Besessenheit für Black Metal über queere DIY-Tätowierungen bis hin zu der Fähigkeit der Lederjacke, einen einfachen Ballpark-Frank in einen "Punk-Hotdog" zu verwandeln.
Von schwarzen und grauen Tattoos im Chicano-Stil von Bandolier-tragenden Mujeres über illustrierte Black Lips-Poster bis hin zu Gemälden von BDSM-Masken - die Symbolik von Subkulturen stand schon immer im Mittelpunkt Ihrer Kunst. Worauf konzentrieren Sie sich im Moment?
In meiner Arbeit ging es schon immer um Identität, Symbole und Ikonen, aber in letzter Zeit habe ich mich speziell auf Sexualität, Geschlecht und Macht konzentriert, und zwar auf eine persönlichere Art und Weise. Die Arbeiten für diese Ausstellung gehen eindeutig in diese Richtung.
Landscapes ist Ihre erste Einzelausstellung an der Westküste und das erste Mal, dass Sie Ihre jüngsten Ölbilder ausstellen.
Ich habe lange Zeit mit Aquarellfarben auf Papier gearbeitet. Seit der Kunstschule hatte ich nicht mehr mit Ölfarben gemalt, und ich habe erst im Winter wieder damit angefangen. Dies ist das erste Werk, das ich in Öl gemalt habe, und es sind auch die größten Bilder, die ich je gemalt habe.
Sie haben kürzlich eine Capsule Collection mit OBEY herausgebracht, zu der auch eine handbemalte Lederjacke gehörte. Was reizt Sie an der Lederjacke so sehr?
Wenn ich zurückdenke, bin ich wahrscheinlich schon seit Jahren von Lederjacken besessen. In jungen Jahren war ich ein Punk, und eine Lederjacke war nie etwas, das ich mir leisten konnte. Und es war wirklich schwer, eine Vintage-Jacke zu finden, weil ich sehr zierlich bin. Und dann war ich acht Jahre lang Veganerin, so dass ich kein Leder tragen wollte, was vielleicht der Grund ist, warum ich es jetzt so mag. Dann habe ich die Jacke bekommen, die ich jetzt habe. Aber schon damals, noch bevor ich die Jacke [in Landscapes] hatte, sammelte ich tonnenweise Bilder von Lederjacken - maßgeschneiderte Lederjacken von alten Motorradclubs oder Gangs aus der South Bronx, Punkwesten. Die individuelle Gestaltung war etwas, das mich wirklich ansprach. Schon während meines Kunststudiums, als die Kunst, die ich damals machte, wirklich albern und jugendlich war, war ich besessen von der Art und Weise, wie man einen Gegenstand wie eine Lederjacke oder eine Nietenweste nehmen und mit all diesen verschiedenen Dingen versehen konnte und sie aus ihrem Kontext löste, wobei die Assoziationen immer noch gut lesbar waren. Zu dieser Zeit waren meine Zeichnungen eher Illustrationen im Stil von Graphic Novels. Sie hatten etwas von den Garbage Pail Kids - eine Art eklige Karikatur. Aber ich zeichnete einen Hotdog, der eine Lederjacke trug. Und ich dachte mir: "Das ist so toll. Das ist jetzt ein Punk-Hotdog."
Du warst mehrere Jahre lang Stammgast im legendären Saved Tattoo in Williamsburg, und das Tätowieren ist ein wiederkehrendes Thema in deiner Arbeit. Was inspiriert dich daran?
Es versteht sich fast von selbst, dass das Tätowieren eine Sprache der Symbole und Bilder ist. Man kann so viel über eine Person anhand ihrer Tätowierungen erfahren. Ich habe einmal ein Zitat gelesen, das der Grund war, warum ich ursprünglich Modedesign studiert habe. Ich glaube, es war in der Vogue oder so. Es ging darum, dass der Look von Anna Wintour so ikonisch ist, dass man sie sofort erkennt, wenn man nur ihren Haarschnitt und ihre Sonnenbrille auf der Straße sieht. Das ist es, was ich in meiner Arbeit seit langem erforsche. Mich, zum Beispiel. Man könnte mir meinen Körper wegnehmen und nur meine Tätowierungen übrig lassen, und viele Leute würden immer noch wissen, dass ich es bin. Tätowierungen sind in vielerlei Hinsicht symbolträchtig. Das ist ein ganz anderes Thema, mit dem man sich beschäftigen könnte: Die Art und Weise, wie sich die Bilder verändert haben, wer tätowiert, wie die Bilder von verschiedenen Tätowierern verändert werden, wie sich die gleichen Themen durchsetzen. Vor allem jetzt, da ich denke, dass es eine wirklich interessante Sache mit mehr DIY-Tätowierungen und der Dezentralisierung des Tätowierens von professionellen Geschäften gibt, was ich wirklich cool finde, weil es das Tätowieren für viele Menschen öffnet, die in der Vergangenheit davon ausgeschlossen waren, wie zum Beispiel queere Menschen und People of Color. Damit schließt sich der Kreis zu den Dingen, die mein Interesse am Tätowieren geweckt haben.
Musik ist eindeutig ein großer Einfluss, vor allem Punk und Metal. Was sind einige deiner Lieblingsbands und -platten?
Es gibt bestimmte Platten, zu denen ich immer wieder zurückkehre - Musik, die ich liebe oder mit einer bestimmten Zeit in meinem Leben in Verbindung bringe. Ich werde immer die Ramones lieben. Das war wahrscheinlich die erste Punkband, die ich geliebt habe. Die Descendents. Die Wipers. Ich war früher ein großer Fan von Metal. Ich stand auf jede Band, die einen extremen Namen hatte. Cannibal Corpse. Dying Fetus. Ich habe definitiv eine Black-Metal-Phase durchgemacht, wie wohl jeder, der auf Metal steht. Jetzt höre ich mehr elektronische oder Noise- oder Industrial-Sachen, die ich zu schräg fand, als ich auf Metal stand.
Welche lebenden oder verstorbenen Künstler bewundern Sie sonst noch?
Nancy Grossman ist eine der wichtigsten. Betty Tompkins ist eine Malerin, auf deren Arbeit ich mich für die Bilder in Landscapes stark beziehe, insbesondere auf eine Reihe von Gemälden, die sie in den späten 60er und frühen 70er Jahren schuf. Es waren diese riesigen Gemälde von Geschlechtsverkehr, wie herangezoomt, fickend. Ich mag Christopher Wool sehr. Ich bin ein großer Fan von Robert Longo und Raymond Pettibon. Auch Chloé Kovska und Sandy Kim, die auch gute Freunde von mir sind. Bevor ich nach L.A. kam, habe ich im Maccarone in New York eine wirklich großartige Ausstellung gesehen: Coming to Power: 25 Years Of Sexually X-Plicit Art By Women. Pati Hertling und Julie Tolentino waren die Kuratorinnen, und es waren alle großen Namen vertreten. Marilyn Minter. Cindy Sherman. Lynda Benglis. Nancy Grossman.
Apropos provokante Kunstausstellungen: Gibt es eine bestimmte Art und Weise, wie Sie sich die Interaktion der Betrachter mit Ihren Bildern in Landscapes vorstellen?
Was mich wirklich interessiert, sind die aufrichtigen Reaktionen der Menschen auf das Werk - wie die eigenen Erfahrungen der Menschen ihre Interpretation des Werks beeinflussen. Manche Menschen verfügen nicht über die subkulturelle Sprache, um die Nuancen einiger der von mir gemalten Objekte vollständig zu verstehen, aber das müssen sie auch nicht. Das gefällt mir irgendwie besser. So wie die schwule Semiotik: Du verstehst den Taschentuchcode nicht. Du bist nicht dazu bestimmt, ihn zu verstehen. Und das ist in Ordnung, denn es ist eine eigene Welt und eine eigene Sprache. Es gefällt mir also, wenn sich Menschen darauf einlassen, die die Themen, mit denen ich mich beschäftige, vielleicht nicht zu 100 Prozent verstehen und sich auf ihre eigene Art damit auseinandersetzen können.
Landscape IV (Peaks), 2016. Öl auf Leinwand, 2016
Landschaft II (Gletscherspalte), 2016. Öl auf Leinwand, 2016
Landschaft V (Gletscherspalte), 2016. Öl auf Segeltuch, 2016
Ohne Titel, 2016
Max Guerrero